Para San Lorenzo Brunelleschi creó una planta de cruz latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal, produce un cierto efecto visual de centralización en la zona del transepto al penetrar en esa zona la luz de la linterna de la cúpula. Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la perspectiva. En San Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel. Este elemento probablemente lo tomara Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino, aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento español.
lunes, 14 de mayo de 2012
El arte a mi manera: San Lorenzo
San Lorenzo
La capacidad de Brunelleschi, para integrar la tradición en la nueva arquitectura, que ya demostró en la cúpula de la catedral se puso de manifiesto también en las dos iglesias que realizó con planta basilical: san Lorenzo y el Santo Spirito. En 1418 ocho familias florentinas decidieron la construcción de una iglesia en la que hubiera una capilla para cada una. Fueron los Médici quienes decidieron encargársela a Brunelleschi y, en tiempo de Cosme de Médici, esta familia conseguiría a cambio de una cantidad de dinero que la iglesia quedara sólo para ellos. Es todo un ejemplo de cómo el ascenso social basado en el poder económico se acompañó de una serie de signos externos que atañen directamente al arte.
Para San Lorenzo Brunelleschi creó una planta de cruz latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal, produce un cierto efecto visual de centralización en la zona del transepto al penetrar en esa zona la luz de la linterna de la cúpula. Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la perspectiva. En San Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel. Este elemento probablemente lo tomara Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino, aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento español.
Para San Lorenzo Brunelleschi creó una planta de cruz latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal, produce un cierto efecto visual de centralización en la zona del transepto al penetrar en esa zona la luz de la linterna de la cúpula. Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la perspectiva. En San Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel. Este elemento probablemente lo tomara Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino, aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento español.
El arte a mi manera: el moises
EL MOISES
Es junto a la capilla sixtina y la Piedad, una de las obras mas importantes del genio Miguel Angel.
Es un titan de rostro recio y formas de autentico luchador divino.El Moises.Avenzando el manierismo en algunos de sus detalles, esta escultura pertenece a la etapa de madurez del artista , una etapa en la que queda atras el ideal estetico clasicista y en la que empieza a entroncar en aquellos retos escultoricos posteriores.Se produce el encargo de la obra en el 1505. Es entonces cuando el Papa Julio II solicita a Miguel Angel la concepcion de un egregio proyecto que pasaria a formar parte de su sepulcro eterno, 40 años despues nace el Moises, este era la primera estatua de una grandiosa idea original que nunca se llegaria a terminar debido al repentino cese del mezenazgo pro parte del mencionado papa.
Domina la escultura del tema biblico vinculado al momento en que Moisés baja del monte Sinaí con las tablas de la ley, en su cara , el horror.En sus piernas y brazos la fueraza de la verdad divina.
Es junto a la capilla sixtina y la Piedad, una de las obras mas importantes del genio Miguel Angel.
Es un titan de rostro recio y formas de autentico luchador divino.El Moises.Avenzando el manierismo en algunos de sus detalles, esta escultura pertenece a la etapa de madurez del artista , una etapa en la que queda atras el ideal estetico clasicista y en la que empieza a entroncar en aquellos retos escultoricos posteriores.Se produce el encargo de la obra en el 1505. Es entonces cuando el Papa Julio II solicita a Miguel Angel la concepcion de un egregio proyecto que pasaria a formar parte de su sepulcro eterno, 40 años despues nace el Moises, este era la primera estatua de una grandiosa idea original que nunca se llegaria a terminar debido al repentino cese del mezenazgo pro parte del mencionado papa.
Extraido de una sola pieza de marmol de carraca , este Moises se presenta sedente de cuerpo entero, bañado por luces y sombras, que se hacen mas presentes en los pliegues de su ropa, y por una sensacion que empezo a vivir desde el mismo momento en que el artista termino de cincelar el ultimo detalle.De echo los biografos afirman que fue esta extrema sensacion la que llevo al artista a golpear la rodilla de la estatua y a decirle ¡HABLA!, por supuesto la escultura no hablo. Y para que no fuese tan perfecto sin hablar el artista le dio un pequeño golpe en la rodilla y le dejo una pequeña imperfeccion.
sábado, 12 de mayo de 2012
El arte a mi manera: Cristo Yacente
CRISTO YACENTE
El Cristo, procedente de la Casa Profesa de los Jesuitas de Madrid, apoya la cabeza y su torso sobre unos almohadones, quedando de esta manera el rostro inclinado hacia el espectador. El desnudo cuerpo, equilibrado y sereno, se coloca sobre una blanca sábana en la que destacan los delicados pliegues. Para romper la simetría y la frontalidad de la figura, Fernández coloca la pierna izquierda doblada sobre la derecha. El rostro del Salvador, con los ojos y la boca semicerrados, transmite al espectador un intenso sentimiento, destacando también la calidad mórbida del conjunto, especialmente el hombro y la mano.
Gregorio Fernández acomete el tema logrando establecer un tipo iconográfico de gran éxito dentro del cristianismo, siendo prototipo también del “paso procesional” de la Semana Santa. Muestra el cuerpo de Jesús desnudo yaciendo sobre un lecho, ya muerto, pues sus músculos están relajados, girado hacia el espectador, para que éste pueda percibir mejor las marcas de la Pasión. El tratamiento del desnudo nos remite a Velásquez, con un estudio anatómico perfecto y de gran interés, por su efecto de belleza plástica. El autor realiza una serie de detalles para provocar efectos naturalistas, como el ligero levantamiento del esternón o el jugar con direcciones opuestas en hombros y caderas. El sentimiento clásico del desnudo desaparece bajo el horror de la reciente agonía, visible en las llagas, pero sobre todo en la cabeza. El interés lo centra en el rostro, alargando los rasgos, mostrando regueros de sangre, los ojos entreabiertos, recurriendo para acentuar el naturalismo a elementos postizos, como los dientes de pasta, por ejemplo que asomas por sus labios resecos. Como su intención principal es crear en el espectador el sentimiento de realidad, las encarnaciones, heridas, moratones, etc., son de gran realismo, pero sin pretender caer en la exageración, solo con la pretensión de comunicar un sentimiento. La fuerza expresiva de la imagen tuvo gran trascendencia, incluso el propio Gregorio Fernández realizó más de siete réplicas tanto para iglesias madrileñas como para conventos de Valladolid o Monforte de Lemos (Lugo), o la catedral de Segovia.
Su arte es profundamente realista y a la vez místico, tratando siempre de despertar la piedad popular a través de su figura descarnada y expresionista. Su patetismo y gran carga dramática lo enlazan con el gótico. En cuanto a la policromía, abandona los acabados y el uso del oro en aras de un mayor realismo. Los marcados plegados del paño que le cubre a medias por la zona genital y sirve de sábana, favorecen los contrastes lumínicos, dándole además un aspecto de metal muy característico de su escuela. Gregorio Fernández fue discípulo de Juni, del que tomó la expresividad y también de Leoni, del que saca la elegancia de la que dota a sus figuras.
martes, 8 de mayo de 2012
El arte a mi manera: Palacio de Pitti
Palacio de Pitti
Lucca Pitti, banquero de Florencia, ordeno su construcción en el año 1457, aunque no tendría la suerte de disfrutar de el. Fue adquirido por la familia Medici (gobernantes de Florencia desde 1434 a 1743) después de que los herederos de Lucca Pitti se arruínasen acabando el edificio. Desde entonces hasta los días de hoy, todos los gobernantes de la ciudad han habitado dicho palacio. Se proyectó un palacio sobrio y armónico, en el que se integran elementos clásicos de orden dórico, jónico y corintio, otorgando a la piedra un papel fundamental. Sucesivas ampliaciones dotarán al palacio del aspecto actual, que le convierten en una de los edificios más impresionantes de Florencia, con su fachada de más de 200 metros de largo al pie de una colina.
Lucca Pitti, banquero de Florencia, ordeno su construcción en el año 1457, aunque no tendría la suerte de disfrutar de el. Fue adquirido por la familia Medici (gobernantes de Florencia desde 1434 a 1743) después de que los herederos de Lucca Pitti se arruínasen acabando el edificio. Desde entonces hasta los días de hoy, todos los gobernantes de la ciudad han habitado dicho palacio. Se proyectó un palacio sobrio y armónico, en el que se integran elementos clásicos de orden dórico, jónico y corintio, otorgando a la piedra un papel fundamental. Sucesivas ampliaciones dotarán al palacio del aspecto actual, que le convierten en una de los edificios más impresionantes de Florencia, con su fachada de más de 200 metros de largo al pie de una colina.
Dentro de el mismo hay varios museos y galerías que ver (para cada uno hay que pagar una entrada independiente). Por un lado tenemos La Galería Palatina, la cual tiene una colección de obras renacentistas y barracas de los siglos XVII y XVIII. Otro de las zonas son los Apartamentos Reales, como su propio nombre indica muestran la forma “modesta” en que vivían los gobernantes en aquella época, decorados con frescos de artistas florentinos. También está el Museo degli Argentini donde se exponen riquezas personales de la dinastía de los Medici. Galleria D’Arte Moderna que básicamente consiste en cuadros de artistas entre los años 1784 y 1924. Galleria del Costume donde se muestran trajes que abarcan desde épocas medievales a la actualidad de la moda italiana. Y por último, y lo mejor de todo para mí, Los Jardines de Boboli, unos enormes jardines para el disfrute de los dueños del palacete que incluyen un anfiteatro, dentro de los mismos, hay una pequeña casa que contiene el Museo de la Porcelana, que por cierto, desde la entrada a los mismos se goza de una genial vista del casco antiguo de la ciudad
domingo, 29 de abril de 2012
El arte a mi manera: Santo Spirito
SANTO SPIRITO
La actual iglesia fue una antigua iglesia perteneciente a la Orden Agustiniana construida a mediados del siglo XIII pero, que, al parecer quedo devastada en el siglo XV por un incendio colosal.
Alrededor de 1440, la ilustre familia florentina Frescobaldi encargó su reconstrucción a Filippo Brunelleschi(1377 c.-1445) considerado el máximo arquitecto italiano del siglo XV.
Brunelleschi diseñó el interior de la Iglesia con las mismas características utilizadas, en 1419, para la reconstrucción de San Lorenzo (la iglesia parroquial de la familia Medici): en forma de crucero latino con tres naves amplias, milimétricamente proporcionadas entre sí, y cuarenta capillas pequeñas y semicirculares, que ocupan todos los espacios libres de ambos laterales de la Iglesia.
Al igual que San Lorenzo, el interior de la Iglesia de Santa Maria del Santo Spirito está considerado como el paradigma de la arquitectura renacentista de Florencia.
En 1444 empezaron las obras de reconstrucción, supervisadas por el propio Brunelleschi. Tras su muerte, las obras se paralizaron hasta 1452. A continuación, los prestigiosos arquitectos y escultores toscanos Antonio Manetti Giovanni da Gaiole y Salvi D' Andrea, seguidores de Brunelleschi, condujeron las mismas, introduciendo algunas variaciones en el diseño original.
En 1792, se llevó a cabo el acabado de la fachada. El trabajo se el encargó a Boccini, el muy cualificado maestro de obras de Santo Spirito Boccini dio lo mejor de sí mismo, al pintar en la fachada una serie de columnas y otros hermosos elementos arquitectónicos, pero sus pinturas se perdieron, lamentablemente, en los años ’60, en el transcurso de la restauración de la fachada.
sábado, 21 de abril de 2012
El arte a mi manera: El David de Miguel Angel
EL DAVID DE MIGUEL ANGEL

La estatua de mármol blanco y de más de 4 metros de alto, fue esculpida por Miguel Ángel entre 1501 y 1504 que se encuentra en la Catedral de Florencia. Propone una interpretación innovadora del tema bíblico. El pastor David niño y la desnudez se muestran en la aparición de un poderoso héroe de la antigüedad. Los antiguos gobernantes prefirieron mover la obra de Piazza della Signoria, frente al Palazzo Vecchio, donde permaneció durante más de 350 años a la Galería de la Academia.
. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David es la figura colosal de un adolescente desnudo, lo que permite el estudio anatómico del cuerpo, sometido a las desproporciones propias de la edad: cabeza grande, cuyo volumen aumenta la rizosa cabellera; brazos largos, manos grandes y pesadas; las caderas estrechas y las piernas excesivamente separadas. Los ojos, trabajados a trépano (instrumento que deja la huella de un agujero), marcan el iris, las niñas, los párpados y cargan su expresión de dramatismo.
La idea de calma y reposo que apreciamos no se mantiene si analizamos en detalle la figura. Todos los miembros manifiestan un reposo tenso (marcando tendones, músculos, venas...), es la captación del momento anterior a la acción, la máxima concentración antes del acontecimiento. Hay tensión en el airado semblante que se carga de expresividad (Terrebilità). Tiene que enfrentarse a un gigante, va a defender a un pueblo y va a ser elevado a la categoría de lo heroico.
Para construirlo, Miguel Ángel partió de un solo bloque muy alto y estrecho, lo que supuso una dificultad para el artista.

La estatua de mármol blanco y de más de 4 metros de alto, fue esculpida por Miguel Ángel entre 1501 y 1504 que se encuentra en la Catedral de Florencia. Propone una interpretación innovadora del tema bíblico. El pastor David niño y la desnudez se muestran en la aparición de un poderoso héroe de la antigüedad. Los antiguos gobernantes prefirieron mover la obra de Piazza della Signoria, frente al Palazzo Vecchio, donde permaneció durante más de 350 años a la Galería de la Academia.
. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David es la figura colosal de un adolescente desnudo, lo que permite el estudio anatómico del cuerpo, sometido a las desproporciones propias de la edad: cabeza grande, cuyo volumen aumenta la rizosa cabellera; brazos largos, manos grandes y pesadas; las caderas estrechas y las piernas excesivamente separadas. Los ojos, trabajados a trépano (instrumento que deja la huella de un agujero), marcan el iris, las niñas, los párpados y cargan su expresión de dramatismo.
La idea de calma y reposo que apreciamos no se mantiene si analizamos en detalle la figura. Todos los miembros manifiestan un reposo tenso (marcando tendones, músculos, venas...), es la captación del momento anterior a la acción, la máxima concentración antes del acontecimiento. Hay tensión en el airado semblante que se carga de expresividad (Terrebilità). Tiene que enfrentarse a un gigante, va a defender a un pueblo y va a ser elevado a la categoría de lo heroico.
Para construirlo, Miguel Ángel partió de un solo bloque muy alto y estrecho, lo que supuso una dificultad para el artista.
lunes, 2 de abril de 2012
El arte a mi manera: EL DAVID DE DONATELLO
EL DAVID DE DONATELLO
El David es una escultura realizada por Donato di Betto
Bardi,la esculpio en bronce alrededor del 1040,para la familia Medici,que actualmete se encuentra en el museo Bargello en Florencia.
Donatello representa al joven heroe biblico David como si se tratare de una escultura griega,ya que lo muestra sin ropa.
Esta obra constituye el primer desnudo de bulto redondo despues de la desaparicion del imperio romano.Tambien es clasico el momento elegido para represntarlo,ya que nos muestra al joven una vez a derotado a su rival el gigante Goliat con la onda y le ha cortado la cabeza con su espada la que sostiene con su mano.David aparece relajado despues del combate vencido lo demuestra la curbatura de su cuerpo.El tema del Dsvid es muy querido en el renacimiento ya que en muchas lecturas se representa como clave neoplatónica hay que entenderlo como el triunfo de la inteligencia frente a la fuerza bruta representada por el gigante.
El modelo es claramente praxiteliano, tanto por el exagerado contarposto de su cuerpo como por el tratamiento anatomico blando,suave casi femenino que caracterizaba la obra del maestro griego y que Donatello representa en esta obra.Posee un ritmo suavemente ondulado,realzado por los brazos separados del cuerpo,uno sujetando la espada y el otroapoyado en el cuerpo dando la sensacion de tranquilidad.La misma inflexion de las piernas evita cualquier tension de la figura.Lo unico que nos recuerda el combate es la cabeza del gigante bajo los pies de David y tambien la piedra que tiene en su mano izquierda,David aparece representado con el pelo largo suelto y con un sombrero y calzado con unas sandalias,que junto al sombrero rompen un poco el tratamiento formal de casi sfumato del cuerpo contrastando plasticamente con el.
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